Abspann. Nachwort.

Wir werden unmittelbar an den Ort des Geschehens gebracht.
Vereinssitzung eines dörflichen Tennisclubs.

Es soll ein neuer Grill angeschafft werden, die Sitzung wird um ein Haar völlig unspektakulär beendet, da steht die zugezogene Großstädterin auf und schlägt vor, einen zweiten Grill für Muslime anzuschaffen. Also für den einen Muslim, der sich im Club befindet. Für „den Türken“, der eigentlich gebürtiger Deutscher ist und ab diesem Punkt nimmt das Drama seinen Lauf.

Vorneweg: Ich habe selten einen Film gesehen, bei dem so viel geredet wird. Im Grunde genommen kann man den Film auch hören, denn Dialog ist hier kein notwendiges Nebengeräusch für Handlung, sondern Handlung selber. Allerdings würde einem dann hier auch wieder ein allen voran mimisch großartiger Christoph Maria Herbst als hochgradig korrekt erscheinen wollender vegetarischer linker atheistischer liberaler Großstädter entgehen und das will man ja auch nicht.

Die erste Stunde vergeht wie im Flug. Es ist ein wahres Fest den Darstellern zuzuhören, wie sie die ihnen zugewiesenen Rollen immer weiter auflösen bis schließlich niemand mehr dem Klischee entspricht, das er so verzweifelt versucht, nicht zu sein.

Wir werden also von einem schnellen intellektuellen Schlagabtausch mitgerissen, in dem die Beteiligten so vehement darauf bestehen, selber vollkommen vorurteilsfrei zu sein, dass sie immer mehr Vorurteile bemühen müssen, um ihre eigene Vorurteilsfreiheit zu beweisen. In diesem Rahmen demontiert Sprache ihren eigenen Inhalt so konsequent selbst, dass man erfreulich aufmerksam bleiben muss, um die Widersprüche zwischen dem Gesagten, dem Gemeinten und dem Offenbarten zu erkennen.

Was ich besonders mag: In Extrawurst wird niemandem die komfortable Position der moralisch überlegenen Hauptfigur übergeben, im Gegenteil. Jeder kämpft innerhalb der Verteidigung seiner eigenen Toleranz mit wahlweise Eitelkeiten, Widersprüchen, Empfindlichkeiten und großen blinden Flecken in der eigenen Weltoffenheit.

Parallel dazu geht es auch um die berühmte Goldwaage als Instrument der Gesprächsführung. Über weite Strecken kann man im Film sehr gut nachvollziehen, was die Figuren „eigentlich“ sagen wollen und trotzdem berechtigt kritisieren, dass wir inzwischen in einer Welt leben, in der wir die sprachliche Diversität besitzen, uns präzise ausdrücken zu können. Eine gute Absicht macht eine unglückliche Formulierung mit Wohlwollen vielleicht verständlich. Sie macht sie darum aber nicht unangreifbar.

Umgekehrt beweist eine unglückliche Formulierung alleine noch keinen Rassismus, Vorurteile oder schlechte Absicht, doch die Grenze zur Frage, wieviel Mühe und Weiterbildung wir einander beim Formulieren unserer Anliegen eigentlich schulden, bleibt fließend. Die Goldwaage darf kein Instrument werden, das man ausschließlich an die Worte der Anderen anlegt.

Was ich ebenfalls bemerkenswert finde ist die Umsetzung des Themas frühkindliche rassistische bzw. vorurteilsbehaftete Prägung. Es ist ein Unterschied, ob ein Mensch eine Überzeugung theoretisch intellektuell entwickelt hat oder ob er diese Überzeugung bereits so tief verinnerlicht hat, dass sie auch unter emotionaler Belastung sein Handeln bestimmt.

So lange ein Thema noch entspannt und ohne persönliche Beteiligung diskutiert wird, kann jeder Mensch vollkommen aufrichtig weltoffen, tolerant und vorurteilsbewusst argumentieren, keine Frage. Aber sobald Kränkung, Scham, Wut, oder das Gefühl, persönlich angegriffen zu werden, hinzu kommen, reduziert sich diese Fähigkeit.

Die Bereitschaft zu differenzierter Betrachtung nimmt ab, das ist evolutionsbiologisch völlig nachvollziehbar, die Krone der ethisch erhabenen Zivilisation kommt hierbei jedoch bedenklich ins Rutschen.

Unter emotionalem Druck greift der Mensch gerne auf vertraute Deutungsmuster zurück. Das können auch rassistische Stereotype sein, die auf einer bewussten Ebene eigentlich längst abgelegt wurden. Das heißt nicht, dass alle Reflexion Lüge war, nur, dass sie unter Belastung noch nicht tragfähig ist. Vielmehr zeigt sich die tatsächliche Tiefe einer Überzeugung weniger daran, wie überzeugend jemand sie in einem ruhigen Gespräch vertreten kann, sondern eher daran, was von ihr übrig bleibt, wenn er wütend ist, brüskiert wird oder sich gedemütigt fühlt.

Zurück zum Grill.

Erol, der unfreiwillig zum Grund des moralisch unanfechtbaren Aktionismus‘ in Form der Forderung nach einem zweiten Grill geworden ist, möchte diesen Grill eigentlich gar nicht. Er ist der einzige Mensch, den dieses Thema betrifft und er lehnt diese „Extrawurst“ zunächst ruhig und besonnen ab.

Das Thema ist aber damit nicht erledigt.

Stattdessen verschiebt sich das Ziel.

Es geht plötzlich nicht mehr darum, dass dieser Mensch etwas bekommt, was er bruacht oder möchte – es geht darum, dass die anderen etwas fordern können, was sie selbst für moralisch richtig und unangreifbar halten. Erols Ablehnung wird nicht als selbstbestimmte Entscheidung anerkannt, sondern als Störung des moralisch „richtigen“ Vorhabens behandelt – damit bügeln gerade die Personen, die für Toleranz, Respekt und Gleichberechtigung eintreten, seine Selbstbestimmung unter dem Deckmäntelchen moralischer Überlegenheit einfach ab.

Die gute Absicht wird zur Legitimation, sich über alles und jeden hinwegzusetzen, der den eigenen Zielen nicht mehr dient.

Vielleicht ist das auch das Fazit. Moral an sich ist kein unabänderlicher Ist-Zustand. Moral muss erkämpft, überprüft und verteidigt werden.

Auch und gerade gegen sich selber.

Es ist meine absolute Lieblingsszene aus allen Matrixfilmen.

Der Merowinger, pure Laszivität, Lust an Sprache, Inhalt und Form. Er spricht mit einer an Anstößigkeit grenzenden Lebendigkeit, bleibt dabei außerhalb jeder Berechnung, er ist das Spiel.
Das macht ihn so verführerisch.

Morpheus. Morpheus ist zu Fels gewordene Überzeugung.
Es gibt nur falsch und richtig.
Das macht ihn so verführerisch.

Es ist nicht weiter verwunderlich, dass Morpheus ohne jede Regung, ohne Grautöne, ohne jeglichen Zweifel mehr verkündet als behauptet:

Everything begins with choice.

Der Merowinger zögert ebenfalls nicht in seinem Widerspruch:

No, wrong. Choice is an illusion created between those with power and those without.

Und beide haben Recht.

Der Film Hello, my name is Doris (2015) erzählt die unerwiderte Liebesgeschichte einer älteren Frau, die sich in einen Arbeitskollegen verliebt. Der Film braucht nicht lange, um auf den Punkt eines etablierten Tabus zu kommen: Die Sexualität älterer Frauen, insbesondere dann, wenn sie so vermessen ist, sich auf einen deutlich jüngeren Mann zu fokussieren. Und noch einen Schritt weiter zu gehen: Nicht nur selber begehrt sein zu wollen, sondern aktiv begehrend durch die Welt zu gehen.

Männliche Sexualität im Alter gilt als selbstverständlich. Der ältere und erfahrene Mann mit junger Partnerin wird in Filmen, Werbung und auch im Alltag normalisiert.

Unsere Gesellschaft erlaubt Frauen hingegen nur für einen sehr begrenzten Zeitraum, sichtbar sexuell begehrenswert zu sein. Weibliche Attraktivität war immer schon an Jugend gekoppelt, das sexuelle Interesse von Männern an jungen Frauen überschreitet hierbei nur allzuoft die Grenze zur Parthenophilie – die beliebteste Pornokategorie heterosexueller Männer sind Teenager.

Mit zunehmendem Alter wird erwartet, dass eine Frau verständnisvoll, mütterlich, weise und selbstlos wird – aber um Himmels willen nicht mehr erotisch. Der Film kratzt an der dünnen Linie, Doris weder als groteske Peinlichkeit noch als moralische Warninstanz darzustellen – der Zuschauer selbst muss sich die unangenehme Frage stellen, warum der Film trotzdem ein gewisses Unbehagen in manchen Szenen hervorruft, konfrontiert er uns doch sehr wohl mit der Verinnerlichung des Grundsatzes, dass ältere Menschen zwar Nähe brauchen, aber insbesondere weibliches Begehren mit Falten und grauen Haaren eher Mitleid denn Mitgefühl hervorruft. Und hier muss man das Erlernte hinterfragen, wenngleich eigentlich jedem klar sein sollte, dass Menschen nicht aufhören, sich nach Berührung, Aufregung, Abenteuer, Sexualität und Bestätigung zu sehnen, nur weil ihre Körper altern.

Doris Sehnsucht prallt nicht nur auf gesellschaftliche Grenzen sondern spielt auch mit der Angst vor dem Alter selbst. Wer bin ich, wenn ich alt werde? Was gibt meinem Leben Sinn? Was erfüllt mich? Besonders gelungen wirkt es, dass der Film nicht in die Falle tappt, Doris als aktive Kümmerin zu brandmarken, die ihren Sinn darin findet, sich um die nächsten Generationen zu kümmen und sich selbst hintenanstellt. Sie kommt aus einer Lebenssituation, in der sie sich bis zu deren Tod um ihre Mutter gekümmert hat, aber wir sehen sie zu dem Zeitpunkt, an dem sie niemandem mehr verpflichtet ist. Doris hat keine von außen zugeschriebene Aufgabe als Mutter oder Großmutter, sie ist Mensch und Frau. Und eine ältere begehrende Frau konfrontiert uns damit, dass Sexualität und Identität nicht einfach irgendwann sauber in der beliebten „Frau, alt, unsichtbar“-Schublade verschwinden.

Das irritiert eine Kultur, die Frauen nur in zwei Zustände kategorisiert: Jung und begehrenswert vs. Alt und emotional zuständig für andere.

Der Film spielt durch die Fantasiesequenzen, bei denen man sich nicht sicher sein kann, ob sie nun im Kopf von Doris stattfinden oder tatsächlich passieren, mit den Wertvorstellungen des Zuschauers. Man ist hin und hergerissen, ob ER sie nun tatsächlich attraktiv findet (und unsere Erziehung fragt als leise Stimme im Hinterkopf: Darf er das? Kann das wirklich sein?) oder ob wir Doris` Wunschdenken sehen. Es ist unangenehm, während dieser Momente mit den eigenen Vorurteilen konfrontiert zu werden. Die Vorstellung, ein junger Mann könnte eine um ein Vielfaches ältere Frau ernsthaft attraktiv finden, widerspricht allem, was wir verinnerlicht haben.

Sally Field spielt Doris mit einer hingebungsvollen Zärtlichkeit für die Sehnsucht und das Leben an sich und wirkt zu keinem Zeitpunkt lächerlich oder provokant. Im Gegenteil. An den Stellen, an denen es nur zu leicht gewesen wäre, Doris in eine peinliche Karikatur einer verzweifelten alten Frau zu verwandeln, überzeugt sie mit der warmen Darstellung einer traurigen, liebevollen und etwas unbeholfenen Frau, die sich erlaubt, sexuelle Bedürfnisse, Fantasien und Hoffnung auf echte Begegnung zu fühlen.

Der Film erinnert daran, dass Sehnsucht keine Altersgrenze kennt.

Dass Intimität, alberne Verliebtheit, sexuelles Interesse und Begehren keine Priviliegien der Jugend sind. Vielleicht liegt darin die unausgesprochene Zumutung: Älteren Frauen muss dieselbe emotionale und erotische Komplexität zugestanden werden, wie sie Männern ganz selbstverständlich eingeräumt wird.

Die beiden sich wiederholenden Endszenen, die es der Fantasie des Zuschauers überlassen, ob das Filmende Abschied ist oder Anfang wird, zeigen uns durch das, was wir für wahrscheinlich oder unmöglich halten, deutlich unsere eigene Prägung.